艺界博览：西方古典音乐家简介

puppet · 发表于 13.12.2004 13:57:25

巴赫 J·S·BACH（1685——1750) 　　约翰·塞巴斯蒂安·巴赫是十八世纪上半叶欧洲最伟大、最有影响力的作曲家。他是巴洛克音乐时期的重要代表人物。由于他一生杰出的创作活动和对音乐艺术的发展所作出的巨大贡献，在世界音乐史上，巴赫素有“音乐之父”的美称。他的作品是历代著名作曲家崇拜和学习的榜样。? 　　巴赫于1685年3月21日出生于德国的埃森纳赫城的一个音乐世家。大约从十六世纪开始，巴赫家族就已经出现了一些著名的音乐家。在这个家族所出的二十多代音乐家中，以约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的成就最高。巴赫的父亲是一名中提琴手，哥哥是风琴师。他早年丧父后，便在哥哥的指导下学习音乐。幼年的巴赫对音乐兴趣浓厚，学起音乐来异常刻苦，很快便掌握了风琴、小提琴等乐器的演奏方法，同时也开始在作曲方面暂露锋芒。他在上中学时就开始广泛地参加各种音乐活动，以后又在吕奈堡的教学里担任歌手。这个时期，他在吕奈堡图书馆里阅读了大量的著名的音乐作品，大大开阔了视野，学到了许多知识。中学毕业后，巴赫开始了自己艰苦的音乐艺术生涯。从1708年开始，他一直在魏玛、阿恩斯塔特和谬尔豪森的宫庭和教堂里担任乐师。当时他的身份和地位都很低下，生活困窘，在这种状况下，他还是创作出了许多具有很高价值的作品。? 　　巴赫一生没有离开过自己的祖国，因此他的作品最能反映当时德国社会和人民生活的风貌与特点。在这一点上，他和另一位巴洛克音乐大师亨德尔大相径庭。亨德尔一直侨居国外，其作品风格受意大利等国音乐风格的影响较深，在创作上偏重于主调音乐， 　　而巴赫的音乐是彻底的德国风格的音乐。他是一位著名的复调音乐大师。他的作品风格庄重而严谨，纯洁而虔诚。巴赫技巧高超，作品内容深刻。他对许多音乐形式都作了重要的发展了创新，如协奏曲、管弦乐曲和钢琴曲等等。? 　　巴赫一生创作了大量的作品，其体裁形式也十分多样，其中有风琴曲、钢琴曲、小提琴曲、大提琴曲、长笛曲、康塔塔、管弦乐曲及许多宗教内容的声、器乐作品等。这些作品中最著名的有(d小调托卡塔与赋格)、《平均律钢琴曲集》、《法国组曲》、《英国组曲》、《赋格的艺术》、《a小调小提琴协奏曲》、《六首小提琴无伴奏奏鸣曲及组曲》、《六首大提琴无伴奏奏鸣曲及组曲》、《布兰登堡协奏曲》以及《农民康塔塔》、《咖啡康塔塔》、《马太受难乐》和《b小调弥撒曲》等等。? 　　巴赫一生对音乐艺术贡献巨大。他继承和发展了前辈曲家的创作手法。把复调音乐提高到了一个崭新的阶段，对小提琴协奏曲形式的完善出作了很大的贡献。他的《布兰登堡协奏曲》为交响音乐的产生起到了很大的促进作用。他的钢琴音乐也十分突出，为后来贝多芬钢琴音乐的出现奠定了基础。巴赫不但是一位伟大的作曲家，而且还是一位杰出的演奏家和优秀的教育家。他在世时生活贫困，作品无人过问。死后数十年才得到人们的重视，被推崇为最伟大的古典音乐大师。1750年2月28日，巴赫在莱此锡逝世，终年六十五岁。 乔治弗里德里希亨德尔 George Frideric Handel 1685-1795 　　亨德尔与巴赫并称为巴洛克音乐最伟大的作曲家。1685年生于德国哈勒，师从管风琴家查豪学习作曲，后在教堂内任管风琴师及艺术指导。因他热爱世俗音乐，于1703年移居汉堡（当时唯一有民族歌剧的德国城市）担任该地歌剧院管弦乐团院长后，开始潜心于歌剧的创作，不久即受到乐界的瞩目。亨德尔于二十一岁时离开故乡德国到意大利并活跃于该地，随后四年已有相当的成就，直到1710年返国担任汉诺威选帝候的宫廷乐长为止。同年他首次访英演出自作歌剧，在伦敦受到疯狂般的好评，因此1712年第二次访英时，即长居伦敦，不久就成为英国的音乐权威人士，并在1726年加入英国藉。 　　亨德尔一生共创作了《阿尔西那》、《奥兰多》等四十六部歌剧，除五部外，其余均在伦敦创作，其中部分更在欧洲其它地方上演过，亦以此经常与意大利作曲家波隆契尼互争长短！在英期间，亨德尔继承菩尔赛的地位，在1713年为圣保禄大教堂写下一些合唱作品，更在泰晤士河上以著名的《水上音乐（Water Music）》取悦了乔治一世与整个朝廷。1719年他组成了皇家音乐学校（Royal Academy of Music）以发表其歌剧.。从1732年起开始以英语写作神剧。三十年代未开始，从事没有舞台表演的清唱剧创作。一生共写了三十二部清唱剧，其中绝大部分也是在英国写的，对英国音乐发展产生极其深远的影响。在1742年都柏林首演了他最受欢迎的神剧《弥赛亚（Messiah）》，其中的《哈里路亚》（希伯莱语赞美上帝的意思）流传最为广泛。亦以此为自已打开另一个全新的创作空间。接着他写了一些管风琴协奏曲、颂歌和管弦乐作品及1749年为庆祝乔治二世在法国的胜利而作的《皇家烟火（Royal for Fireworks）》。除了歌剧和神剧以外，亨德尔也谱写了为数甚丰的协奏曲和奏鸣曲，这些纯巴洛克样色的作品，主要是为剧场和公开场合演奏的目的而写，其中蕴含着相当的戏剧色彩，这一点与巴赫的作品主要是作为教会演奏之用，正呈鲜明对比。 　　作为歌剧、古键琴奏鸣曲、管风琴赋格、协奏曲、管弦乐曲和神剧等多方面的能手，亨德尔是当代除巴赫以外最有声誉的作曲家。他将这些从十七世纪承袭而来的曲式加以变化和扩展，将不同的欧洲风格融会贯通，写下了无数令人难以忘怀的乐章。晚年亨德尔不幸双目失明，1759年病逝于伦敦，按其遗愿葬于西敏。 沃尔夫冈.阿玛台乌斯.莫扎特(W.A.Mozart 1756-1791) 莫扎特是一位杰出的奥地利作曲家,出生于萨尔兹堡一个宫廷乐师家里。他从少年时代就展现出杰出的音乐才能,一生作品极其丰富。他创作的最重要领域是歌剧，共22部，另一重要创作部分是交响乐，共45部。他的音乐创作即继承和发展了海顿等前辈的成果，又对后来的贝多芬等人的创作产生了重要影响。 　　莫扎特也许不是最伟大的作曲家，但他绝对是公认的最伟大的音乐天才。就连伟大的音乐家柴可夫斯基都把他称作是音乐的基督。曾有人这么说：“在音乐史上有一个光明的时刻，所有的对立者都和解了，所有的紧张都消除了，那光明的时刻便是莫扎特。” 　　1756 年，沃尔夫冈·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）出生于萨尔兹堡，自幼他便展现出那无与伦比的音乐天赋：3岁开始弹琴，6岁开始作曲，8 岁写下了第一部交响乐，11岁便完成了他的第一部歌剧，14岁是指挥乐队演出了该歌剧。可以这么说，莫扎特是为音乐而生的，从他出生的那一刻开始，他就和音乐熔为一体了。 　　16岁时的莫扎特被任命为萨尔兹堡宫廷的管风琴师。虽然在这段时间，莫扎特创作了大量的优秀作品，但他无法忍受萨尔兹堡大主教的颐指气使，任意欺凌。在那里，莫扎特只是一个会弹琴的佣人，他曾向他的父亲这样描述他在宫廷晚餐上的同伴：两名男仆，管家，点心师父，两名厨师，男仆坐在上座，莫扎特位列厨师之上。终于在1781年，莫扎特脱离了对大主教的依附，成为了历史上第一位自由作曲家，并来到了维也纳发展。在维也纳，莫扎特靠教私人学生，举行音乐会演出和出版作品为生。在这段时间，莫扎特接触到了巴赫、亨得尔的作品，并结识了海顿，从而丰富了他的音乐理念。 　　在维也纳，莫扎特的音乐成就是令人惊叹的，他曾这样来描述他的音乐创作：“无论多长的作品都在我的脑中完成。我从记忆中取出早已储存好的东西。因此，写到纸上的速度就相当快了，因为一切都已完备，它在纸上的模样跟我想象的几乎毫无二致。所以在工作中我不怕被打扰，无论发生什么，我甚至可以边写边说话。”可怜就是这样一位天才，在他正当壮年的时候却因为感染风寒而去世了，死时年仅35岁。在他生命的最后一天（1971年12月9 日），他仍在创作，可惜天嫉英才，莫扎特留下了他那未完成的《安魂曲》，而撒手人间，成为了音乐史上最大的遗憾之一。 　　尽管莫扎特的一生充满坎坷和艰辛，但他的音乐始终给人带来的是真正的纯美。著名的音乐评论家罗曼·罗兰为莫扎特作出了如下的评价：“他的音乐是生活的画像，但那是美化了的生活。旋律尽管是精神的反映，但它必须取悦于精神，而不伤及肉体或损害听觉。所以，在莫扎特那里，音乐是生活和谐的表达。不仅他的歌剧，而且他所有的作品都是如此。他的音乐，无论看起来如何，总是指向心灵而非智力，并且始终在表达情感或激情，但绝无令人不快或唐突的激情。” 　　当然，想要完整的评论莫扎特的音乐，绝非这区区近千字能够表达的。而想要真正地体会莫扎特，最主要地还是去听他的作品，而他的千余部作品，几乎每一部都是超凡脱俗的经典之作。 主要作品： 歌剧　《费加罗的婚礼》 　　　　《唐.璜》 　　　　《魔笛》 交响乐《降E调第39号交响曲》〈帝王〉 　　　　《G小调第40号交响曲》 　　　　《C大调第41号交响曲》〈丘比特〉 协奏曲《D大调小提琴协奏曲第四号》 　　　　《降B大调小提琴协奏曲第五号》 　　　　《C大调钢琴协奏曲第21号》 　　　　《A大调钢琴协奏曲第23号》 其它《弦乐四重奏〈狩猎〉》 路德维希·凡·贝多芬 　　路德维希·凡·贝多芬是世界音乐史上最伟大的作曲家之一。他是“维也纳古典乐派”的最后一位代表人物，与海顿、莫扎特一起被后人称为“维也纳三杰”。他在自己短短的五十七年生涯里，为人类留下了无价的音乐宝藏，因此，世人尊称他为“乐圣”。? 　　贝多芬于1770年12月16日生于德国波恩。祖父和父亲都是宫廷音乐家。贝多芬从小就具有十分敏锐的乐感，他的父亲发现这一点后，决心把他培养成另一个莫扎特式的音乐神童，好以此作为他的摇钱树。但贝多芬不具备莫扎特那样的演奏天赋，他是在父亲的棍棒下学会音乐的。当时年仅五岁的贝多芬经常被父亲锁在屋里，从早到晚地弹奏钢琴和拉小提琴。小贝多芬经常强忍着痛苦和委屈在钢琴上一遍遍地练习，如果不是贝多芬具有非凡的音乐天才的话，他就可能就会永远厌恶音乐了。? 　　贝多芬的音乐成长道路异常艰苦，但他凭借自己的刻苦，取得了惊人的成就。他五岁开始学习钢琴，八岁就公开举行演奏会，十岁开始作曲。他的第一位老师聂费对他的帮助极大，聂费拓展了贝多芬的艺术视野并教会了他许多音乐技能，这为他后来的创作打下了深厚基础。? 　　1792年，贝多芬来到了“音乐之都”维也纳。为了获得更多的音乐知识与创作技能，他先后拜海顿、阿尔布雷希茨贝格、萨利埃里等名师学习，他努力学习他们的音乐创作技艺与经验，不断丰富和提高自己的艺术修养。与此同时，他还广泛阅读各种文学和哲学书籍，从中汲取丰富的知识营养，终于使自己成为一个具有高度修养的艺术家。? 　　贝多芬的音乐风格是鲜明独特，他的作品中热烈激昂、振奋人心的斗争音调十分突出，这与贝多芬坚强的个性及其反封建的资产阶级民主意识是紧密相联的。贝多芬所生活的时代，正是欧洲资产阶级革命运动蓬勃发展的时期，革命思想深深地影响着他的创作，他追求“自由、平等、博爱”，渴望全人类的解放。贝多芬把这些思想与观点作为音乐创作的基本内容，在作品中体现出革命的斗争精神与人民的愿望。发果说莫扎特的音乐是清澈的泉水，贝多芬的音乐就是熊熊烈火，迸发着炽热的激情。? 　　贝多芬一生创作了大量的作品。他一生的创作可分为三个时期：早期作品受海顿和莫扎特的影响，风格轻快流畅；中期作品则体现了他自己的特有的音乐风格，大部分作品都是在这一时期创作的；晚期作品技巧成熟、思想深刻复杂，同时出现了浪漫主义的因素。? 　　贝多芬一生的主要作品包括：九部交响曲、一部歌剧——《费德里奥》、五部钢琴协奏曲、一部小提琴协曲、三十二首钢琴奏鸣曲、十首小提琴奏鸣曲、十六首弦乐四重奏。管弦乐序曲：《埃格蒙特》、《柯里奥兰》以及大量的声乐器乐及戏剧音乐作品。这些具有高度艺术价值的音乐作品对贝多芬以后的历代作曲家都产生了巨大的影响。如今这些伟大的作品已成为人类文化宝库中一笔丰厚的宝藏。 　　1827年3月26日，这位伟大的、不屈不挠的音乐巨人终因贫病交加而与世长辞。 朗兹约瑟夫海顿 Franz Joseph Haydn 1732-1809 　　奥地利作曲家、维也纳古典乐派奠基人之一的海顿,出生在奥地利东部的一个村镇罗劳。他家境贫寒,父亲是一个车匠。从孩提时代起,他就显露出出众的音乐才华。一个当校长的亲戚成为他音乐的启蒙老师。6岁的时候,他进入维也纳圣斯蒂芬大教堂任唱等班男歌童,在那里,他受一些音乐基础教育,并继续学习小提琴和声乐。16岁时,因变声被解雇,几乎流落街头。但他仍顽强地学习音乐。29岁时,被艾斯德哈吉亲王聘为乐长,生活稳定下来,并在此度过了30年光阴。 　　作为宫廷乐长,海顿首先是亲王的奴仆,必须按亲王的意旨办事。除了作曲和指挥以外,他还要看管乐器、训练歌手、抄写分谱、监督所有音乐家的行为。但是,宫廷的乐队、合唱队、歌剧院等又为他提供了写作的机会,并使他能够直接检验自己的作品,进行修改。这使他对这份工作十分满意。海顿对音乐创作严肃认真,对团员亲切,大家都称他为"海顿爸爸",连莫扎特都这样称呼他。 　　1790年,艾斯德哈吉亲王去世,新亲王解散了乐队,但是保留了海顿的乐长头衔和薪俸,他成为自由音乐家。于是他马上启程去维也纳,然后去了伦敦。在伦敦,他指挥演出他作品,大获成功促使他一年半以后再次访问伦敦，并再次获得成功。两次出访,他写下了他最后的l2部交响曲,总称为《伦敦交响曲》,这是他同类作品中的最佳之作。 　　海顿的主要成就在交响乐的创作方面。他并非交响乐的首创者,在他之前,巴赫和亨德尔等人就为这种体裁进行了尝试。海顿是在前人的基础上.为交响乐确立规范的人,所以,后人称他为"交响乐之父". 　　海顿一生创作了100多首交响曲。他的许多通俗交响曲都被起了绰号。据说艾斯德哈吉亲王每年夏季都要带乐团避暑。有一年,避暑时间延长,团员们都想回家和亲人团聚,怨声载道。海顿灵机一动,便写了一首新曲。这首交响曲不像其他交响曲一样,整个乐队一起结束。当演奏到最后一个乐章时,队员们根据总谐的提示,先后结束了自己声部演奏,然后吹灭谱架上用以照明的蜡烛,带着乐器默默地退场,先是圆号,然后是双簧管、单簧管、低音提琴。最后,只剩下两位小提琴演员,在仅有的两支蜡烛照耀的昏暗舞台上,奏着凄惋的旋律。这种充满伤感的结尾使亲王大为感动,第二天,他就放乐队休假回家了。这首乐曲,就是著名的《告别交响曲》。 　　l791年,在维也纳一个贵族的府邸里,正在演奏海顿的《G大调第94交响曲》。当乐曲进行到慢板的第二乐章时,许多并不懂得音乐的贵妇人又开始昏昏欲睡了。突然,乐队爆发出巨雷般的强奏,使那些女士们大吃一惊,睡意全无。这是海顿对那些不懂艺术而又附庸风雅的人的一个教训。这首交响曲也就被称为《惊愕交响曲》还有一次,有海顿《第96交响曲》首演的时候,一盏大吊灯突然落下,摔得粉碎,但是却没有砸伤一个人。这首交响曲便被称作《奇迹交响曲》。 　　海顿还写了二十多部歌剧和不少的声乐作品,但是没有多少惊世之作,连他自己都认识到在这一方面,他是无法和天才横溢的莫扎特相 比的。 　　海顿在交响乐上的贡献是巨大的。柴科夫斯基说:"海顿是交响乐创作的锁链中一个不可或缺的、牢固的环节。没有他,也就没有莫扎特、贝多芬了。 舒伯特(Franz Sdhubert 1797-1828) 　　奥地利作曲家舒伯特是贝多芬的崇拜者,在贝多芬的葬礼上,他擎着火炬非常悲痛地跟着送葬的行列,把贝多芬的灵枢送到墓园。一年后,他竟也染上热病,追随他心中的偶像而去了。 　　在舒伯特短暂而痛苦的一生中,舒伯特过的是贫穷的生活,他的天才是在他死后才被人们认识的。 　　舒伯特l797年生于维也纳附近的里克登塔。他的父亲是当地一所学校的校长。他受过的音乐教育,是小时候父亲教他小提琴、钢琴。 　　早期他曾在父亲的学校中任教,因不喜欢教师生涯,辞去教职,开始独立生活,以教音乐私人学生、出售自己的乐谱和为戏院作曲为生。 　　在短短的十几年的创作生涯中,舒伯特写了600多首歌曲、l8部歌剧、歌唱剧、lO部交响曲、l9首弦乐四重奏、22首钢琴奏鸣曲、4首小提琴奏鸣曲等大量音乐作品。他最擅长的是艺术歌曲的写作,因此有"歌曲之王"的美誉。舒伯特性格内向,他不是为了赚钱而创作,因此他始终赚不了大钱。但他却善交朋友,至交好友很多,形成了一个以他为核心的"舒伯特集团"。他们常常在一起聚会娱乐,友谊弥补了他物质生活的不足。舒伯特是一个富于幻想的人,他比贝多芬有更多的诗人气质,对于歌德的诗歌,他能更好地把握全部微妙的变化。在他的634首艺术歌曲中,就有1OO来首是根据歌德的诗歌谱写的,还有的采自席勒、海涅等人的诗歌。据说贝多芬见到舒伯特的歌曲集,为内中的美丽大为吃惊。好几天,他拿着它们不忍释手。后来,贝多芬对另一位年轻朋友说过这么一句话:"你,安舍姆,有我的思想,但弗兰兹(舒伯特)有我的灵魂。舒伯特是艺术歌曲的大师,世上至今没有人能超过他。他创作的速度惊人。他的朋友记述他写作名作《魔王》的情形:"我们走到门口,见他捧着一本书,高声朗读《魔王》的诗。他读得十分出神,全没有注意到我们的来访。他拿着书册在室内反复徘徊,突然把身子靠在桌子上,拿起笔在纸上飞速地写着,然后拿着记下的谱跑到空微克德学校去弹奏改谱……当天晚上整个学校已经在唱《魔王》。" 还有一次,他到朋友家去,未见到主人,却发现桌上有一本缪拉的诗集,他非常喜欢,便擅自将诗集带回家去。第二天,朋友到舒伯特家,他已写了三首曲子,这便是声乐套曲《美丽的磨房女》中的三首。这部声乐套曲用一系列歌曲讲一个故事,共20首曲子,现在仍经常在音乐会上演出。另一部声乐套曲《冬之旅》也是根据缪拉的诗谱写的。这是所有浪漫歌曲中最有价值的一首,也是舒伯特歌曲中最美的一首。全部24曲,以《晚安》、《菩提树》、《流不尽的泪》、《街头卖药者》最著名。很多人都认为舒伯特只要写一首《冬之旅》便可成为名垂千古的作曲家了。歌曲《鳟鱼》是根据诗人舒巴尔特的诗所写的。后来此曲被采入《A大调钢琴五重奏》,第四乐章也叫《鳟鱼》,由此我们可以看出,他的歌曲反映出他把诗看作是产生灵感的动力,旋律线条的形态和性质、和弦的选择、节奏的特点以及全曲的整体结构都是为诗服务的。现在,在音乐会上,我们还经常听到他的《摇篮曲》、《圣母颂》、《听,听,云雀》、《小夜曲》等优美的歌曲。舒伯特写《听,听,云雀》时,曾经有一段很有趣的故事。伯特和他的朋友们去郊游,当他们高高兴兴地在小餐馆吃饭的时候,舒伯特突然吵着要五线谱纸，朋友们知道他的灵感来了,但谁都没有带五线谱纸,他们赶紧把菜单翻过来,在后面画上五线谱,让他在上面作曲。 　　舒伯特在写大量的歌曲的同时,也写了不少器乐曲。这些器乐曲以《未完成交响曲》为代表。这是在他逝世那一年创作的,不知道是不是因为身体已经十分虚弱,只完成了前两个乐章,第三乐章只写了几个音符,就没有再写下去了。有人认为他写完两个乐章就去世了。 　　也有人认为他因为失恋,"如果恋爱不成功也就不想完成此曲";还有人认为第一、第二乐章实在太美了,因而没有必要再写第三、第四乐章了。但是这首交响曲虽然形式上不完整,内容却很充实,勃拉姆斯就认为:"这首曲子并非未完成。" 舒伯特常常把歌曲的题材编入器乐中,因此他的器乐曲非常自然,具有歌唱性,像潺潺的溪流那样柔美而流畅。他用这种方法写作钢琴曲,创造了一种他称之为"音乐瞬间"的小品,其实就是后来舒曼、门德尔松、勃拉姆斯等人创作钢琴小品"无词歌"的最早范本。舒伯特常说."我是为了作曲而生的。"这句话概括了他的一生。他死后,遗体被埋葬在他尊敬的贝多芬墓旁。 罗伯特·舒曼（Robert Schumann,1810－1856） 　　浪漫乐派到了罗勃·舒曼手中臻至开花结果。舒曼本人反应了浪漫乐派的种种特质,他善于幻想、内省,在精神上与当时的文学活动相契合。他是革新者、批评家、为新鲜事物摇旗呐喊的运动家,也是做曲圣手。他早期的音乐几乎摒弃所有旧体制, 后期则重拾传统中的交响曲及四重奏。他是坚决反对古典乐派的先驱, 即令他是出众的理论专家,且音乐知识也决不下于当时任何音乐家,但是先前存在的形式对他而言是毫无意义的。他明告世人：所谓形式并不是为了服务学院派的人物而存在,而是为驰骋湍流的创作之心而生; 纯然的乐念即能塑造自己独一无二的形式。体制虽小, 但是结构紧密完整,又能捕捉并尽情发挥思想的形式, 就是它本身的美学评价。音乐的气氛、色调、暗示、联想--这些在舒曼心中,比起创制丝毫不爽的赋格、回旋曲或奏鸣曲等更重要。无论他的音乐如何变化,总是不脱诡鹬善变的气质、万花筒般的结构与情绪、纯挚的性格反映, 以及强烈的主观意识。虽然身兼乐评家的舒曼很能理解其他作曲家的观念,并对公众解释说明, 但能理解他的作品的人却不多见。他所欲传递的信息早已逾越了传统的界限, 而且太个人化了。他也深明此点; 但其创作除了追随天赋倾向外,其他都写不出来。无论如何,他还是一位伟大的旋律家,能轻易写出美妙而又通俗的音乐,取悦世人的念头始终未曾出现在这位理想家的脑海里。 　　如果把舒曼音乐中不合传统的部份略而不提, 他的音乐仍然令人难懂。问题就在藏纳于音乐中的作曲家性格, 因为他所写的都是自传性的音乐。而舒曼本人往往对自己的音乐也不甚了了,有些作品甚至是在近于恍惚的状况下撰写成的。舒曼首先编曲, 阅毕再赋上名称,这是他的一贯程序,他的所有作品几乎都是写成后才命名。所谓的名称也只是让听众对作曲家的情感有线索可循,并不希望听众把它当成曲中故事的指南。 　　舒曼与萧邦同样以撰写钢琴曲起家,他最先写成的二十三首作品即是完全供钢琴独奏之用。这一系列作品包括了三首奏鸣曲, 以及一首三乐章的 C大调幻想曲, 后者勉强也可以算是奏鸣曲, 其馀大部份则是小品之作。我们在舒曼的钢琴曲里全然不见夸示于人的乐句段落, 也不见流行于当世俗丽的八度音阶和完美的指法展示, 因为他对卖弄而卖弄的伎俩嗤之以鼻。舒曼的钢琴曲时而酣畅婉转, 时而诗意盎然, 时而高贵雍容,时而亲切可喜。舒曼独具的音乐魅力实难以笔墨形容, 尽管其中不乏古怪的安排--诸如切分音、擅改的七度和弦、稠密的结构--却无伤于全局。 　　舒曼从钢琴曲转攻歌曲, 并于1840年写成了一连串成功的联篇歌曲集, 以及几首单独的歌曲。编号24『海涅诗歌曲集』、编号39『艾辛道夫诗歌曲集』、『天人花歌曲集』、『女人的爱情与生命』、『诗人之恋』。人们把『诗人之恋』的16首歌曲与舒伯特『冬之旅』提升到组曲的最高地位。舒曼正巧补舒伯特之不足。他扩充了艺术歌曲的概念, 把钢琴提升为更能体贴入微的音乐夥伴, 在乐曲前后增添钢琴序曲与终曲。 　　尽管舒曼四阙交响曲在完成之始就有评论家指出其结构上与管弦乐配乐上的瑕疵, 但是它们的声势却能在乐坛上历久不衰。世人咸信舒曼在奏鸣曲形式的桎梏下窒碍难行, 他的转折过门极其困难淤滞,展开部笨拙疏阔, 不怎么高明。如果不进一步追究的话, 舒曼的交响曲尚称富有新意,还有他在主题的连贯上也别出心裁。这个长处在只有一个乐章的第四号 D小调交响曲中表现于极致。学者们或许要挑剔总谱上种种缺失, 蒙昧的作家们也或许要把舒曼和贝多芬的交响曲摆在天平的两边, 就此贬低舒曼一生的成就,但是如果听众肯坦然接受舒曼交响曲的原貌的话, 仍然会觉得它们不失为十九世纪最具独到思想的创作。 　　舒曼被人遗忘的作品, 已经多到令人不敢置信的地步。他并不是一位可以满足所有人口味的作曲家。舒曼这位浪漫派健将, 也是最个人化、最不客观的作曲家, 恰好与1918年以后主宰西方世界的审美风潮南辕北辙,不能相容。尽管舒曼很少让人联想到「纯而不杂」一词, 但是他的一切都是以此为准据--包括了他的生活、爱情、教育、正直、思想以及他的音乐。 　　舒曼的主要作品有： 钢琴独奏：奏鸣曲3首，《幻想曲》以及练习曲、即兴曲、浪漫曲等共七十余首。 钢琴二重奏41首，2架钢琴用行板与变奏曲、8首波洛奈兹舞曲；带脚键盘钢琴用6首练习曲和4首素描。 管风琴或带脚键盘钢琴用：以巴赫的名字为基础的赋格曲4首。 管弦乐曲：4首交响曲，《a小调钢琴协奏曲》，《G大调引子与热情的快板》，钢琴与乐队的D大调音乐会快板，小提琴协奏曲、小提琴与乐队的《幻想曲》、大提琴协奏曲，4支圆号与乐队的《音乐会曲》。 室内乐：3首四重奏，3首三重奏，三重奏《幻想曲》4首，钢琴四重奏，钢琴五重奏钢琴、单簧管（或小提琴）与中提琴的〈童话故事〉，2首小提琴奏鸣曲，中提琴与钢琴的《童话情景》，大提琴与钢琴的民歌风格小曲五首，双簧管与钢琴的浪漫曲3首，单簧管与钢琴的《幻想曲》，圆号与钢琴的《柔板与快板》。 声乐曲：33部套曲与14首单篇的歌曲（有钢琴伴奏）以及各种重唱、合唱、叙事歌四十余套首。 戏剧音乐：歌剧《格诺费瓦》，拜伦的《曼弗雷德》配乐。

puppet · 发表于 13.12.2004 13:59:32

雅克勃·路德维·费里尔·门德尔松－巴托尔迪 Jakob Ludwig Felir Mendelssohn-Bartholdy(1809-1847) 德国作曲家，生于汉堡，12岁开始创作，17岁即完成《仲夏夜之梦序曲》，21岁起研究和整理巴赫的作品，为这位音乐之父的作品得以复生作出了最重要的贡献。27岁在莱比锡任指挥，1843年创办德国第一所音乐学院，38岁时即病故。 　　他在短暂的一生中创作了大量的各种体裁的音乐作品，作品风格温柔舒适、优美恬静、完整严谨、极少矛盾冲突、富于诗意幻想，反映出他生活上的安定富足。他的交响曲《苏格兰》、《意大利》，序曲《芬格尔山洞》、《平静的海与幸福的航行》，《e小调小提琴协奏曲》等都是著名作品。《仲夏夜之梦序曲》是音乐作品中最早描写神仙境界的。他还独创了“无词歌”的钢琴曲体裁，共八册四十八首，形象生动多姿，是早期标题音乐的代表。以他为中心的莱比锡乐派对十九世纪德国音乐生活产生了很大的影响。 一、三者兼备的全才 一个好的管弦尔队的指挥，不但必须把他的乐队训练得能够服从他的指导——使指挥能够在乐队上面“演奏”，仿佛整个乐队就是一件乐器，每个演奏员只是其中的一个部件；并且力求赋予每个作品以作曲者的精神；而且他还必须编排他的节目，正象一个编辑为了编一本书或一个杂志那样。首先，他必须有多样性，不能全部都是交响曲，或全是序曲，或全是较短的小品，而是每种都有。然后，他不可以一遍又一遍地演奏同一些受人喜爱的老的古曲名曲，他必须寻找那些被人忽视的作品，将其发掘出来，或给值得推荐的新作曲家们以试听的机会。门德尔松将巴赫沉睡了一百年的作品重新公之于众，令后来的同行们受益非浅，这就是一个活生生的例子。现在，所有伟大的管弦乐队领导人中，很少有伟大的演奏家或者伟大的作曲家。但当时，门德尔松是三者兼备的。此外，当有人留下一大笔钱要建立一所音乐学校或音乐学院时，门德尔松会做得同他所做的其他事情一样好。他在自己管弦乐队的演奏员中找到教师，而且他自己和舒曼都教钢琴。于是莱比锡音乐学院便成为世界上最著名的学校之一。莱比锡崇拜他，它也始终是他最亲爱的家。甚至于当国王命令他到柏林去指导皇家管弦乐队和歌剧院时，他对他在莱比锡的工作仍然念念不忘，因为他在那里所做的一切都是有把握使人高兴的。 二、音乐是描摹情感的圣手 门德尔松常以他的无词歌作信寄给家人，来表明他的情感状况。1830年6月26日，他把他的《降b小调无词歌》（作品30之2）的初稿寄给姐姐芳妮（1805—1847）说：“当我收到你的一半怀念、一半愉快的来信时心情是这样的。”门德尔松认为音乐表达思想感情比文字更明确，他在1842年致友人的一封信中写道：“一首我所喜爱的乐曲中所表达的思想，要用文字说明时，不是感到音乐太不确定，而是太确定了。……我对于你的意见的感觉也是如此，可是这不是你的过失，而是文字的过失，它不可能做得更好一些。如果你问我，当我写作无词歌时有什么想法，我说：‘就象无词歌所表现的那样。’虽然当写作某几首时，在我心中有明确的词句，但我还是不想把它们告诉任何人，因为文字对于每个人并不是相同的，只有无词歌本身可以对每个人说出同样的话，唤起同样的感觉，一种不可能为相应词句所唤起的感觉。忍耐、忧伤、赞美上帝、行猎——这些语词对于每个人不会唤起同样的思想；一个人所谓的忍耐，就是另一个人所谓的忧伤；而对于第三个人却不能形成任何一个鲜明的概念。不但如此，对于一个天生的热心的猎人来说，行猎和赞美上帝所指的差不多是同样的东西，对他来说，圆号的声音确实也就是对上帝的赞美。而我们从圆号所听到的只是行猎，无论和他怎样辩论也不会使我们有所改变。文字总是含糊不清的，但两方面的人却都能对音乐理解得很正确。” 三、幸福、忧伤与死亡 十九世纪的音乐家中，很少有像门德尔松这样幸运的。他出身于贵族家庭，受过极其正规的音乐教育。他的一生总是那么充满欢乐，以致一旦忧伤来临时，他就受到致命的打击。首先，他的父亲——正如他所说：“他不仅是我的父亲，而且是我艺术上和生活上的老师”去世了，然后他温柔的母亲也死了。但是他还能得到姐姐芳妮（1805－1847）的安慰，门德尔松大概以为自己永远会拥有她的爱和鼓励。然而，芳妮却在指挥自家附近的一个小教堂的合唱班的时候，忽然扑在钢琴上死了。当噩耗传来时，门德尔松已经被他那最伟大的作品，大概也是除了《弥赛亚》以外的所有清唱剧中最伟大的作品《以利亚》耗尽了精力。他尖叫了一声后，倒在地板上，这下撞坏了他的头。在1847年，即芳妮死后不到六个月，门德尔松与世长辞，他被安葬在芳妮的墓边。当他去世的时候，整个莱比锡都沉浸在悲痛之中，就象每一家都失去了钟爱的儿子那样。 约翰内斯·勃拉姆斯(1833一1897） 约翰内斯·勃拉姆斯(1833一1897）在欧洲音乐文化发展史上曾与古典音乐大师巴赫、贝多芬齐名。他的生平并不令人瞩目。但他的作品却在音乐史上占有令人瞩目的地位。 　　勃拉姆斯1833年诞生在德国汉堡的一个职业乐师家中。父亲是他的第一个音乐教师。清苦的童年刚刚度过，十三罗的勃拉姆斯就为生活而奔波在娱乐场所。他说过：”象我这样艰难地过日子的人恐怕并不多。”这期间，他写了一百五十多首小品，为他日后的创作打下必要的基础。 　　1853年，二十岁的勃拉姆斯到各地旅行演出，并接触到一些音乐界的知名人物──匈牙利小提琴家约阿希姆以及李斯特和舒曼。舒曼热情地肯定了这位有才华的年轻作曲家。在舒曼晚年的最后一篇文章中，他以《新的道路》为题，指出勃拉姆斯是"有重要意义的后起之秀"，推崇和鼓励年轻的作曲家登上乐坛。 　　1848年至1860年是勃拉姆斯创作的最初时期。他以流畅的笔触写出一批乐观明快的作品，表达出对生活、对大自然的诚挚热爱。此后，德国处于日益反动的封建统治之下，1862年，勃拉姆斯在痛苦的傍徨中，离开德国迁居维也纳。在那里，他担任合唱指导、乐队指挥，并继续创作新的作品。 　　1871年，俾斯麦通过王朝战争统一德国。但更加残酷的统治也接踵而至。勃拉姆斯最初以欣喜的心情欢迎民族的统一，并为此写下《凯旋之歌》。但很快他就为黑暗的社会现实而深感焦虑和不安。在作曲家这一时期的作品中，曲折地反映了他的这种矛盾心境。 　　晚年，勃拉姆斯走向退隐。他专注于室内乐和歌曲写作，并潜心收集与改编民间音乐。1897年，勃拉姆斯在维也纳逝世。 　　勃拉姆斯一生以各类音乐体裁写过大量作品。他的四部交响曲写作于他的创作成熟时期。被人称作"贝多芬第十交响曲"的《第一交响曲》竣笔时，勃拉姆斯时年已达四十三岁。他的几部协奏曲作品《D大调小提琴协奏曲》、两首钢琴协奏曲、《a小调小提琴大提琴双协奏曲》；他的管弦乐作品《海顿主题变奏曲》、《学院节庆序曲》、《悲剧性序曲》等，都以严谨的结构、多彩的色调而久负盛名。他的钢琴作品和三百余首声乐作品，洋溢着动人的抒情气息和浓郁的民族色彩，其中如《匈牙利舞曲》、《摇篮曲》等朴实的音乐小品都是脍炙人口的传世佳作。 　　勃拉姆斯作品鲜明地继续了德奥古典音乐传统，并广泛地吸收了欧洲各民族音乐文化的素养。在十九世纪后年叶的严酷现实中，勃拉姆斯在自己创作中保持和发扬了这些出自于历史上和人民中的进步、健康的精神和情感，这是他在音乐文化史上所作出的重要贡献。由于时代和历史的局限，勃拉姆斯的作品，特别是他晚年的一些作品较为低沉晦涩，反映出了他的动摇、隐退和矛盾的心理。勃拉姆斯的创作生涯及其作品，使他作为德奥古典作曲家中的"最后一人"而在音乐史上享有特殊地位。 比才（Georges Bizet 1838-1875） 法国作曲家比才1838年出生在巴黎。他10岁入巴黎音乐学院,17岁时创作了第一部交响曲,20岁时获罗马大奖,到意大利留学3年。此时的比才一心一意想做一位优秀的歌剧作曲家。他陆续创作了3部歌剧:《采珠者》、《佩思的美女》、《加米雷》。在这些作品中,比才的配器技巧和音乐结构开始受到人们的重视。此后,比才又创作了不少作品,但是都没有获得很大的成功。1872年,他应邀为法国文学家都德的戏剧《阿莱城的姑娘》配乐。当时,只允许他用26人的小乐队,但这并没有束缚他的才能,反而使他发挥出自己的特长,创作出了这首至今仍在世界各国上演的名曲,充满异国情调的和声和大胆的配器,为他赢得了名声。 　　《阿莱声的姑娘》的成功，使他被委托以梅里美的著名小说《卡门》改编的脚本创作一部同名歌剧。这部歌剧获得了最大成功,但是,它的首演却是失败的。也许是过分强烈的节奏让人难于接受,也许是认为作品不够高雅,演出中观众陆续退场,整个剧场吵吵闹闹,演出只好草草收场。但是在此后的3个月里,它却演出了37场。比才赢弱的身体经不起这样的剌激,3个月后,他就去世了,年仅37岁。比才去世以后,巴黎喜歌剧院停演了这部作品。但是,它却在维也纳、布鲁塞、伦敦和纽约等地不停地上演。5年之后,它重新登上巴黎舞台,这一次,受到观众狂热的欢迎。正像柴科夫斯基在l880年所预言的:"《卡门》10年以后将成为世界上是流行的歌剧"。现在,《卡门》已经成为世界上最受欢迎的作品之一。 罗西尼（Gioacchino Rossini 1792-1868） 罗西尼（1792-1868）生于罗马尼亚。让乔奇诺·罗西尼声誉鹊起的因素莫过于音乐的旋律, 这点连华格纳都不得不承认。有史以来最伟大的喜歌剧《塞尔维亚的理发师》, 一夜之间让罗西尼的音乐在欧洲各歌剧院中炙手可热。 　　罗西尼主要以喜歌剧作家的身分见知于今世, 但他在世时, 其严肃性、悲剧性的歌剧也获得很高评价--《奥泰罗》、《高林泰被围》、《摩西》、《威廉泰尔》都是让人口耳争传之作。他的退休蒙著一袭神秘面纱, 曾经引来人们的猜疑。他的确又创作了两阙大规模的宗教乐曲《圣母哀悼曲》与《小庄严弥撒》, 并以创制为数颇钜的钢琴小品以自娱。但是不管是啥原因, 他的职业生涯确实在1829年声望达到最高峰时就倏然停止了。 　　我们没有任何证据说明罗西尼的思想曾随著阅历的增长而有所蜕变。他所创作的歌剧, 即使是含有某些麦亚白尔风格的《威廉泰尔》在内, 基本上都是古典派的作品, 旋律高雅, 明晰, 管弦乐绝不喧宾夺主,全音和声处处可见。1830年时, 浪漫主义已经蔚成一股气候, 但是他却始终固守反浪漫主义的立场, 不肯妥协。他唾弃这种「喧嚣」、「诡异」、「矫情」的新运动, 尤其对歌唱的新风格深恶痛绝。 　罗西尼在创制歌剧上与浪漫世界泾渭分明, 但他听各种音乐, 在撰写《圣母哀悼曲》或《小庄严弥撒》等作品时, 就把由各方汲取而来的心得发展演绎, 采用了比任何歌剧都要大胆的和声法。在1829年前的众歌剧中, 至今犹存著《塞尔维亚的理发师》、《辛德瑞拉》(灰姑娘)、《奥里伯爵》, 以及其他令人著迷不已的喜剧。再过不久, 《威廉泰尔》必然也会有被视为钜作的一日。然而今日有谁真正演唱罗西尼的歌剧呢? 如果罗西尼这位苛求声乐的行家地下有知, 听到世人把紧张、嘶哑、嚣叫、绵长、嘈杂、庸俗、沈重、笨拙的歌唱法都称为「罗西尼风格」, 他又要如何抱怨呢? 威尔第（Giuseppe Verdi l813一190l) 歌剧的老家在意大利,但是意大利歌剧缺乏音乐性内容,只是追求声音提效果。只有罗西尼创作的《塞尔维亚的理发师》和《威廉.退尔》称得上意大利歌剧的精品。在他之后,出现了威尔第和普契尼两位歌剧大师,才使意大歌剧取得与法国歌剧同等的地位。意大利作曲家威尔第l813年出生于意大利北部的一个小村庄。他从小热爱音乐,但是却没有学习音乐的良好环境。18岁的时候,受一名富商的资助,到米兰投考音乐学院,却因年龄太大,又被考官们认为缺乏音乐才能而拒之门外。那些考官们怎么也没有想到,被他们拒之门外的这个年轻人,日后会成为意大利最优秀的歌剧作曲大师。威尔第26岁时写的歌剧《奥拜尔托》获得成功。此后,他又创作了《弄臣》、《游吟诗人》和《茶花女》三部不朽的歌剧杰作。据说《弄臣》首演排练的时候,扮演曼图亚公爵的演员发现他的分谱上有一段空白,就去问威尔第。威尔第答应在彩排的时候把它补上。 彩排的时候,他才把这一段曲谱交给演员,并且规定在公演之前任何人都不准把它泄露出去。这段咏叹调就是至今仍然非常有名的《女人善变》。威尔第知道,如果它事先流传出去,热爱音乐的威尼斯人很快就会把它传遍欧洲,到歌剧上演的时候,就没有新鲜感了。果然,当首演时演员刚一唱完《女人善变》，就引起了全场轰动。此时,欧洲人对瓦格纳非常推崇,威尔第也受到他的影响而创作了蔚为奇观的大歌剧《阿依达》。他采用瓦格纳的音响极厚重的管弦乐,场面宏丽而盛大。这部歌剧使他的事业更上了一层楼。16年后,他根据莎上比亚的戏剧《奥赛罗》创作了同名歌剧。这部歌剧的连贯性是早年作品不可比拟的,它被认为是意大和歌剧中的最上乘之作。威尔第80高龄的时候,还创作了他一生中唯一的一部喜歌剧《福尔斯塔夫》,这也是一部上乘之作。威尔第一生创作了27部歌剧,在他的音乐中,始终未抛弃意大利美声唱法的传统,他非常注意作品的歌唱性,管弦乐的戏剧性发展和声乐的鲜明旋律性非常完美地结合在一起。他是l9世纪最伟大的意大利歌剧作曲家。 弗雷德里克·弗朗西斯克·肖邦 Fryderyk Franciszek Chopin (1810-1849) 伟大的波兰音乐家，自幼喜爱波兰民间音乐，七岁写了《波兰舞曲》，八岁登台演出，不满二十岁已成为华沙公认的钢琴家和作曲家。后半生正值波兰亡国，在国外渡过，创作了很多具有爱国主义思想的钢琴作品，以此抒发自己的思乡情、亡国恨。其中有与波兰民族解放斗争相联系的英雄性作品，如《第一叙事曲》、《降A 大调波兰舞曲》等；有充满爱国热情的战斗性作品，如《革命练习曲》、《b小调谐谑曲》等；有哀恸祖国命运的悲剧性作品，如《降b小调奏鸣曲》等；还有怀念祖国、思念亲人的幻想性作品，如不少夜曲与幻想曲。肖邦一生不离钢琴，所有创作几乎都是钢琴曲，被称为“钢琴诗人”。他在国外经常为同胞募捐演出，为贵族演出却很勉强。1837年严辞拒绝沙俄授予他的“俄国皇帝陛下首席钢琴家”的职位。舒曼称他的音乐象“藏在花丛中的一尊大炮”，向全世界宣告：“波兰不会亡”。晚年生活非常孤寂，痛苦地自称是“远离母亲的波兰孤儿”。临终嘱附亲人把自己的心脏运回祖国。 [ 波兰才子 ] 一、又一个神童 　　肖邦一家住在一个伯爵夫人的庄园宅地的三间房子里，那是令人愉快的房间，有着白色的墙和发光的天花板，有挂着雪白薄沙窗帘的窗户，宽大的窗台上，倒挂金钟和天竺葵生气勃勃地开着花。房屋里面摆着沉重的红木家具、许多书架和一个白柱式火炉，在天冷的时候，里面的松木劈啪作响，发出芳香的热气。三间房子中最大的一间里面摆着钢琴。有别于其他神童音乐家的是，少年肖邦并不喜欢那架钢琴。 肖邦的第一位教师是个奇怪的人物，他总是穿着淡黄色的大衣和裤子、漆皮长靴以及颜色华丽但很俗气的背心，据他说这是在一个拍卖行买的波兰最后一个国王的所有物。他总是带着一支长铅笔，常用来敲那些迟钝和不守规矩的学生的脑袋和手指。他使肖邦喜欢上了钢琴，而且弹得非常美妙，于是少年肖邦逐渐以“第二个莫扎特”而闻名华沙。在十岁时，他被带去在一个大歌唱家面前弹奏，歌唱家听后非常高兴，送给他一块手表。不久以后，俄国沙皇听见他演奏，当即以一个钻石戒指作为赠品。当时的欧洲报纸上有这样一句话：“上帝把莫扎特赐给了奥地利，却把肖邦赐给了波兰。”当肖邦还很小，不会记谱时，他就能编出一些小品来，让老师为他写在稿纸上。后来肖邦在父亲教法文的华沙学会里学习了作曲和其它课程。当他十七岁时，终于离开学校献身于音乐。 二、“从一而终”的爱国音乐家 　　肖邦是终生献身于一种乐器的第一个作曲家。甚至连李斯特这位钢琴中的帕格尼尼，也在晚年转而为全部管弦乐队创作作品，因而当他的钢琴作品为管弦乐队重新改写的时候，它们听起来一样好——或者甚至更好。但肖邦并没有试图在钢琴上模仿管弦乐队。他用钢琴比别的任何乐器都能更好地表现音乐。不论肖邦的作品节奏是什么——是圆舞曲还是波兰的玛祖卡舞曲或是波兰舞曲——那旋律几乎总是用简单的ABA三段体歌曲形式。他的音乐同贝多芬的奏鸣曲不同，正象一首短小而完美的诗不同于莎士比亚的一出话剧一样。肖邦在维也纳举办了两次成功的音乐会，然后想到一个更广阔的世界上去求名。在华沙开了三次告别音乐会后，他就出发了。当他还没有走出多远的时候，他的老师和过去的同学们拦住他的马车并唱了一首为了向他致敬而写的大合唱。然后他们给他一个装满了故乡泥土的银制纪念杯，希望他永远也不要忘记故土。他虽然再也没有回来，但是永远也没有忘记生他养他的祖国。 三、巴黎岁月 　　肖邦到巴黎后不久，就成了巴黎最时兴的教师。他愿意有多少学生就有多少，价格是最高的。他上课时象一个王子，总是戴着白羊皮手套，并且由一个仆人陪着，坐着一辆马车来到。李斯特把他介绍给在乔治·桑的笔名下写作的著名小说家迪德望夫人（Dudevant）。通过她，他被拉进以巴黎为家的艺术家们、作家们和音乐家们的欢快的圈子里去。可是降临到他身上的一切成功和乐趣都永远不能使他忘记波兰的光荣和忧伤。所有的肖邦的音乐作品都是他各种感情的短小音画。有一些是从他自己的生活中取来的——当他在玛佐尔卡岛上访问乔治·桑和她的女儿们的时候写的梦一般的夜曲和短小的前奏曲，和那些圆舞曲——特别是降D大调的那一首，据说是在他注视着乔治·桑的小白狗追逐自己的尾巴以后写的。但是他的音乐的更大部分都是从他对他的出生地的热爱里生长出来的。 四、波兰节奏 　　肖邦的许多最伟大的作品都是用波兰的两种古代舞蹈玛祖卡舞和波罗乃兹舞的节奏写成的。波罗乃兹舞是一种贵族的舞蹈——王子和英雄们在国王宝座前面稳重而庄严地行进。肖邦用这种曲式创作了他的一些最宏伟的作品。玛祖卡舞是肖邦时常看见的，这是波兰农民们力图在朝气蓬勃的尽情欢乐中忘掉他们生活中的艰苦时跳的一种农村舞蹈。其节奏是每一小节三拍子，在最后一拍，跳舞的人们把脚后跟咔嗒一声碰在一起时加强了一拍。肖邦作了五十多首玛祖卡舞曲，并且在这一种节奏里，表现了从悲伤和神秘感到生活的欢乐等种种感情。肖邦伟大的《降b小调鸣曲》是建立在古老波兰的一首诗的基础上的，而他的四首《叙事曲》则讲述了波兰最伟大的诗人写的四个故事。其中最流行的一首讲的是一个年轻的骑士对一位美丽而神秘的小姐的爱情。甚至他那些《练习曲》，也不仅是一些练习，而是一些音乐素描。所有想做钢琴名家的学生都想要学会的那首伟大的《革命练习曲》，是当肖邦听见波兰人一再起来反抗俄国，但一再被残酷镇压时写的。浪漫派大师舒曼曾这样形容：“肖邦的作品是藏在花丛中的一尊大炮。” 肖邦的音乐被人们热爱的原因也许是：它不仅是在诉说波兰的美和忧伤，而且诉说的是一种炽热的爱国之情。肖邦在巴黎的朋友，德国诗人海涅有一次写道：“他在钢琴前坐下来的时候，我觉得仿佛是一个从我出生地来的同乡正在告诉我当我不在的时候曾经发生的最奇怪的事情。有时我很想问他：‘家里的那些玫瑰花还在热情地盛开吗？那些树还在月光下唱得那么美吗？’” 那带着“以魅力笑容、令人愉快的态度、象天使一样有着一绺美丽的鬈发”的文雅的小音乐家成了巴黎客厅的宠儿。但是巴黎生活的经历毁坏了肖邦的健康，他变得敏感而易怒，在一次争吵之后，他同乔治·桑十年的友谊彻底崩溃了。 [ 钢琴诗人 ] 一、繁杂的曲名与潇洒的谱曲 　　肖邦一生作品繁多，且全部为钢琴曲，而其中的十分之九又是钢琴独奏曲。但是最令人感到麻烦的是，他的作品大多只有体裁而没有标题，很多作品，即使标上调式和体裁及体裁编号，仍然难以搞懂到底是哪一首。因此，后人查找肖邦的作品时，往往以作品编号（Op. ）作为查找的主要根据，因为作品编号是不会出现重复和混乱现象的。 　　肖邦作曲时，基本离不开钢琴键盘。据当时的人所说，肖邦擅长在钢琴上即兴创作，而且有着一气呵成般的流畅，但当他落笔追思即兴乐念时，却异常费力，稿纸上往往留下很多涂改痕迹。许多已成之作，每经他本人演奏一次，就会出现一种有所改动的版本。可见肖邦对于作曲是十分情绪化的。 二、肖邦的信条：让人们去猜吧！ “脱帽吧，先生们！这里是一位天才！”这是1831年12月，舒曼发表在《大众音乐报》第四十九期的一篇评论肖邦作品第二号的文章里推崇肖邦的话。这篇文章，是舒曼的第一篇音乐评论文章。德国人对肖邦的了解，是从舒曼的这篇文章开始的。 肖邦在1827至1828年间，以莫扎特的歌剧《唐·璜》第一幕中唐·璜和策丽娜的小二重唱作为主题，写成了作品第二号——钢琴和乐队的变奏曲。 1831年10月27日，德国钢琴家尤里乌斯·克诺尔（1807—1861）在莱比锡布业公会音乐厅初次登台，演奏了肖邦的作品第二号。舒曼评论这个曲子的文章，就借用了尤里乌斯的名字作为笔名。 　　1831年12月16日，肖邦从巴黎写信给他的朋友沃伊切霍夫斯基说：“几天以前，我从卡塞尔收到一个热心的德国人写的一篇长达十页的评论，他在冗长的绪言以后一小节一小节地进行分析（作品第二号）。他认为按照正统的观点，它们不能算是变奏，而是一幅想象的图画。他说，第二变奏里唐·璜和列波累罗在追赶；在第三变奏里，唐·璜亲吻着策丽娜，使马捷托看了呕气；在慢板第五小节的降D大调上，唐·璜和策丽娜在接吻。这位撰稿者大发奇想，实在可笑，他还迫不及待地想把这篇文章发表在《音乐杂志》（属于他的女婿菲梯斯的刊物）上。好心的希勒是一个很有才能的青年，……他对我十分关心，马上告诉菲梯斯的岳父说，他写那篇评论对我没有好处只有害处。”肖邦所说的菲梯斯(1784-1871)，是比利时音乐学家，1806年他和《民族信使报》编者罗贝尔的女儿阿黛拉伊德结了婚。菲梯斯在1827年创办的《音乐杂志》是一种周刊。那么，写那篇评论文章的“热心的德国人”，应该就是罗贝尔了。肖邦最反对用文字解释他的作品。伦敦乐谱出版商威塞尔（1797—1885）为了使出版物引人注目，常给他的作品加上想入非非的标题，如《降B大调变奏曲》（作品2）标作“向莫扎特致敬”； 　　《引子和波罗乃兹》（作品3）标作“快乐”；《玛祖卡风格回旋曲》（作品5）标作“波西阿娜”；《三首夜曲》（作品9）标作“塞纳河流水潺潺”；另外《三首夜曲》（作品15）标作“西风”；《降E大调圆舞曲》（作品18）标作“邀舞”；《波莱罗舞曲》（作品19）标作“安达卢西亚回忆”；《b小调谐谑曲》（作品20）标作“地狱里的宴会”；《第一叙事曲》（作品23）标作“无词叙事诗”；《两首夜曲》（作品27）标作“哀怨”；《降b小调谐谑曲》（作品31）标作“冥想”；另外《两首夜曲》（作品37）标作“叹息”；《两首波罗乃兹》（作品40）标作“宠物”；而《玛祖卡舞曲》则统称为“波兰回忆”。 1841年，肖邦从诺安写给他的朋友丰塔那（1810—1869）的一封信中愤慨地说：“至于威塞尔，他是一个蠢才和骗子。你写信给他时爱怎么说就怎么说吧…… 如果他老是因我的作品而赔钱，那是由于他不照我的意见，而加上愚蠢的标题所致。从我心灵里发出的声音，教我不能再送给他任何作品让他加上这些名称。你对他说话可以尽量讲得尖锐些。” 　　在肖邦看来，那位“热心的德国人”是和威塞尔同样愚蠢，同样可笑的。但这个德国人在文章中所描绘的“一幅想象的图画”，也许并不是他的发明，而是步了舒曼的后尘；因为舒曼的文章里也谈到第二变奏“象一对情人(但不是唐·璜和他的仆人列波累罗)在追赶”，优美的降B大调是“情人第一次的接吻”等等。舒曼喜欢给自己的作品加上文学性的标题，如《狂欢节》（作品9）、《幻想曲》（作品12）、《童年情景》（作品15）、《少年曲集》（作品68）、《森林情景》（作品82）等都是其例；肖邦则对此深恶痛绝，他的《g小调夜曲》（作品15之3）原想注上“悲剧《哈姆莱特》观后感”字样，后来还是取消了，他说：“让人们去猜吧。” 让音乐本身去说话，不把主观臆想强加给听众——这就是肖邦的信念。“让人们去猜吧”这句话，对于肖邦的作品是有普遍意义的。

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